Haakon M. A. Smestad

Trondheim, Norway

Hei!
Jeg heter Haakon M. A. Smestad og er en skuespiller, sceneinstruktør og coach opprinnelig fra Trondheim. Jeg har fem års skuespillerutdanning fra HiNT (Verdal), Ophelia (København) og Royal Central School of Speech & Drama (London), hvor jeg tok Master of Arts i classical acting. Jeg har lenge vært svært interessert i psykologi, kreative prosesser og gruppedynamikk, som førte meg til å skrive masteroppgaven min omkring Kreative Blokkeringer i et Psykoanalytisk og Evolusjonært Perspektiv. Dette arbeidet danner grunnlaget for min metodologi når jeg underviser, coacher og instruerer. Jeg er spesialisert i utøvelsen av Shakespeare, og coacher / instruerer parallelt med skuespillerkarrieren, som bl.a. inkluderer arbeid ved Den Nationale Scene i Bergen, Trøndelag Teater, Thesbiteateret/ Teater Ibsen, Operaen i Kristiansund, Folkteatern i Gøteborg, Pleasance Theatre i London m.fl. For tiden har jeg base i London og Trondheim, men arbeider hyppig rundt omkring i Norge, særlig med det Tromsøbaserte kompaniet Teaterterminalen, hvor jeg er medeier.

Last ned min CV

Fagområder

  • Barne- og ungdomsteater
  • Film
  • Fortellerkunst
  • Forumteater/De Undertryktes Teater
  • Improvisasjon
  • Monologarbeid
  • Musikkteater
  • Performance
  • Produksjonsledelse
  • Revy
  • Skuespillerteknikk
  • Teater
  • Tekst

Aktiv i følgende fylker:

  • Hele landet

SCENEINSTRUKSJON

Jeg har arbeidet ved flere av landets scener, samt en god del i utlandet også (for mer oversiktlig info om dette, se egen CV).

Som sceneinstruktør er jeg vant med å arbeide med folk i alle aldere, og med forskjellige dramafaglige bakgrunner. Min primærbakgrunn er som skuespiller, og jeg er derfor særlig godt utstyrt til å veilede et ensemble fra første prøve til siste forestilling. Min prosessorienterte filosofi gjelder like sterkt i de andre sidene av instruksjonsarbeidet, og forsøker derfor å legge opp til et trygt rom, hvor kreative risiko oppfordres, og det er rom til å feile, om det så er ideer omkring scenografi, kostyme, koreografi, sminke, lys, lyd osv. Utover selve prosessen (for en god prosess fører som regel fram til et godt resultat) så vektlegger jeg særlig det visuelt estetiske og nonverbale i produksjonene jeg instruerer (herunder lys, bevegelse, og alt annet som kan visuelt tas inn på scenen), og går til store lengder for å heve teateropplevelsen til noe utover det vanlige, og ideelt sett skal forestillingen kunne nytes, rent visuelt sett, selv om ikke et eneste ord var sagt. Samtidig liker jeg veldig godt å integrere live musikk og dans/ bevegelse i de fleste forestillingene jeg instruerer (ikke bare i revy og musikaler).

KREATIVITETSWORKSHOP I MEISNERTEKIKK OG COLD-READING

Hvem passer det for?

Workshopen er like egnet for erfarne scenekunstere på utkikk etter faglig påfyll, som det er for kreativt nysgjerrige. Mange av prinsippene diskutert bærer preg av mindfulness og er overførbare til andre kreative uttrykk og til livet forøvrig. Ingen forkunnskaper nødvendig. Eneste kriterium for å kunne delta er å la ego bli igjen i døren, da dette vil stå i veien for arbeidet. Samtlige ego kan hentes i døren ved slutten av dagen.

Om Workshopen

Kreativt suksessfulle mennesker har ikke noe annet enn deg eller meg, ingen magisk formel, spesiell hemmelighet, eller medfødt talent. De har simpelthen unnlatt den venstre hjernehalvdelen — den logiske, analytiske siden — fra å sabotere for dem. Denne workshopen handler primært om å frigjøre oss selv fra den indre destruktive kritikeren, og tillate vårt kreative selv i å få blomstre. Gjennom konkrete eksempler og håndgripelige øvelser demper vi støyen og tar stegene videre imot å og leve sannferdig i øyeblikket, både på scenen og i hverdagen.

Workshopen består av tre deler:

1) Bevisstgjøring av kreative blokkeringer

Kroppen er klok, men samtidig utrolig lojal overfor hjernen og dens beskyttelsesmekanismer. Hvor frykt for reelle farer er nyttig for vår overlevelse, er ego-drevet frykt ganske unyttig, og kanskje særlig destruktivt for utøvende kunstere. Men frykt diskriminerer ikke, og kan oppleves like sterkt overfor en imaginær fare som en virkelig en. Dette manifesterer seg gjerne i form av en eller flere «indre stemmer»; De kan være sinte, klagende, kritiske, eller negativt ladet (i varierende styrkegrad), og som regel setter de oss i en eller annen offerrolle, eller bås, med merkelapper som «udugelig», «talentløs», eller at «alle er bedre enn deg», og at verden generelt sett er imot oss. Og jo mer disse stemmene snakker til hverandre (med oss som publikum på første rad), jo mer redd og bekymret blir vi for at de kan ha rett i det de sier. Men frykt og kreativitet blander like dårlig som olje og vann. Derfor må vi finne strategier for å håndtere disse negative narrativene, hvor vi plasserer oss selv i den tragiske hovedrollen, og lære hvordan operere i virkelighet i stedet. Ironisk nok er det kun med forankring i virkelighet vi som skuespillere kan begynne å «leve sannferdig under imaginære omstendigheter» (Meisners definisjon på godt skuespillerarbeid). Gjennom en fysisk ekspressiv tilnærming starter vi arbeidet med å frigjøre oss selv fra disse kreative blokkeringene. Bevegelsesarbeidet gir kroppen tillatelse å vise vei og utfordre «komfortsonen», som trigger ego-responsen, og gjennom aktiv lytting lærer vi å avsløre de negative stemmene og deres mange ansikter (bekymring, skyld, skam, selvstraff osv.). Nøkkelen til å overkomme frykt ligger ikke å kjempe imot (det slaget taper vi gang på gang). Det er gjennom observasjon og aksept av at vi er Så Mye Mer enn disse snevre merkelappene vi får den ego-drevne frykten på avstand og kan opplever frihet i arbeidet, og i vårt privatliv forøvrig.

2) Meisnerteknikk

Bakteppet for hele workshopen er Sanford Meisners repetisjonsøvelse, hvor fokuset ligger i å opparbeide en organisk og genuin evne til å lytte og respondere sannferdig fra øyeblikk til øyeblikk. Meisnerteknikken bringer skuespilleren tilbake til sine emosjonelle impulser og til skuespill/ handling forankret i det instinktive, basert på hva enn som foregår foran og i skuespilleren. Det handler om å gi slipp på forutinntatte ideer om et gitt resultat, å virkelig «gjøre», i stedet for «å late som». Gjennom improvisasjonsøvelser i emosjonell sannhet og personlig respons lærer skuespillerne hva det vil si «å leve sannferdig under de gitte/ imaginære omstendigheter».

Treningen involverer en serie spesifikke øvelser som alle bygger oppå hverandre. Forståelsen av hver øvelser leder videre til den neste osv. Alle begynner på begynnelsen og beveger seg gjennom hvert steg, som legger grunnlaget for forståelsen av hva det vil si å «leve», hva det vil si å være «sannferdig» og hva «de gitte/ oppdiktede omstendigheter» innebærer. Herunder kommer også teknikkens prinsipper omkring emosjonell preparasjon, relasjoner, behov, synspunkter, fysisk aktivitet, med mer.

3) Cold-Reading

For mange skuespillere, og andre kreative kan det være vanskelig å komme seg forbi teknikk, inn i spontaniteten, og stole på at øyeblikket vil innfri; Også kjent som det gode kreative stedet vi kaller «flow». Cold-Reading er scenearbeid med manus i hånd uten tid til forberedelser, omfattende analyse, eller innstudering av replikker. Det er heller ikke poenget, alle kan lære seg replikker. I denne delen fokuserer vi på å frigjøre spontanitet, råskap og individualitet gjennom scenearbeidet, i stedet for å fremføre pene, «riktig analyserte» og pyntelige scener. Gjennom en praktisk og ikke-teknisk tilnærming gir vi slipp på «riktig» og «galt», og med det, alt som måtte stå i veien for vårt frie uttrykk. Det handler om å gi oss selv tillatelse til å være alt vi kan være, warts and all.

MIN FILOSOFI TIL ARBEIDET

Jeg er i utgangspunktet ingen «purist», den forstand at jeg mener en skuespillerteknikk, eller en type tilnærming til scenekunst er noe bedre enn en annen. Jeg anser skuespillerteknikk som et koldtbord hvor man kan plukke det man liker. Fungerer det så fungerer det, og her er vi er alle skrudd sammen på forskjellig vis. Det som fungerer for meg, fungerer ikke nødvendigvis for deg (om omvendt). Derfor har jeg studert mange teknikker for å finne det som fungerer best for meg, blant annet: Gresk teater/ korarbeid, Lecoq, Meisner, Stanislavskij, Laban, Yat Malmgren, Strasberg, Chekhov, Roy Hart, m.fl. samt andre coachers arbeid som Lorna Marshall, Antony Meindl og Harold Guskin. Bredden av disse verktøyene – samt en sunn dose lekenhet – er det jeg tar med meg i arbeidet jeg gjør, om det så er som skuespiller, sceneinstruktør, workshopleder og coach.